Las Artes Visuales...

Las artes visuales son formas de arte que se enfocan en la creación de trabajos que son principalmente visuales por naturaleza, como la pintura, la escultura, el dibujo, el grabado, y mas tarde, fotografia, impresion y el cine.

miércoles, 30 de marzo de 2011

TECNICAS ARTISTICAS

Acuarela y Gouache

En ambos casos, al igual que en el temple, los aglutinantes empleados son sustancias solubles en agua a las que se añade goma arábiga, que sirve para fijar el color al soporte y evitar de este modo que se desprenda el polvo del color, una vez secado.

El publico no suele diferenciar bien el "gouache" de la acuarela; en una y otra técnica se trata de pinturas de agua gomosa, pero el "gouache" es más pastoso, mientras que la acuarela resulta más ligera; la acuarela utiliza las transparencias de los tonos y obtiene las luces, aprovechando la claridad del blanco del papel sobre el que se pinta; el "gouache" utiliza asimismo el color blanco.

Acuarela

La elección del soporte y su calidad es de primordial importancia en la acuarela. Aunque admite el empleo de pergamino y marfil, el papel ha sido el soporte más usado. El papel mejor es el de hilo, ya que los de algodón o de pastas de madera amarillean y amortiguan los colores. El grano del papel debe elegirse en función del resultado que se desee obtener.

Los colores utilizados en la acuarela deben ser particularmente estables a la luz. Se recurre generalmente a las tierras y ocres, naturales y tostados, cobaltos, cadmios ultramar y óxidos de hierro y cromo.

A la goma arábiga se le añaden otros componentes, como la miel, el azúcar o la glicerina, que sirven para hacer los colores más solubles y las tintas más manejables. Con glicerina o con solución de cloruro de calcio se retarda la desecación. La destrina hace los colores menos solubles y con su empleo se pueden aplicar varias pinceladas, pero sin anular el color subyacente.

La pintura a la acuarela es fluida y su secado es rápido, por lo que exige del pintor seguridad de toque y rapidez en la ejecución; su objetivo es obtener tintas diluidas, ligeras y transparentes.

Conviene distinguir el dibujo coloreado a la acuarela de la acuarela propiamente dicha. Un dibujo, ejecutado a lápiz, a pluma, a la sanguina, a la sepia, o por cualquier otro procedimiento, puede completarse con pinceladas a la acuarela, coloreándolo. Son procedimientos distintos, pues mientras en el dibujo a la acuarela la definición de las formas se obtiene por el propio grafismo del dibujo, en la acuarela dicha definición viene dada por el color.

En la aplicación de los colores debe recordarse que en la acuarela es el blanco del papel, que hace de soporte, el que proporciona el mayor alto grado de luminosidad, por lo que hay que proceder por disminución, calculando en todo color superpuesto el grado de oscuridad que añade.

Debe procurarse que las acuarelas estén siempre expuestas a una luz moderada, ya que tanto la luz directa como la solar las secan y facilitan la caída del color. Su conservación es bastante delicada, ya que por otra parte la humedad enmohece el papel y estropea la goma.

La acuarela resulta singularmente adecuada para esbozar con rapidez determinados efectos luminosos. En algunos casos se ha utilizado como técnica previa, especialmente en pintura al aire libre, para obtener con rapidez los resultados apetecidos, y como boceto previo para luego trasladarlo al óleo sobre lienzo.

Con la acuarela se abrevia en gran medida la transcripción de la imagen, y aunque no sea muy propicia para una afinada definición de las formas permite, sin embargo, captar los cambiantes efectos de luz, con toques alusivos y sintéticos.

Entre los acuarelistas en sentido moderno hay que contar a Durero, si bien esta técnica no se afirma y consolida hasta el siglo XVIII, en especial con la escuela inglesa y con predominio del tema del paisaje (Girtin, Constable, Turner, Bonington, etc.).

Es un arte específicamente burgués e individualista, que florece en la época romántica y que, como es lógico, no se presta para transmitir significados de amplio interés social.

Gouache

Por lo que respecta al "gouache" ya se ha apuntado que utiliza un color o pincelada más pastosa que la acuarela, y, a diferencia de esta, tanto las luces como las tonalidades claras se consiguen por medio del color blanco.

La materia o pasta pictórica se presenta viscosa, como en la técnica al óleo, y los resultados estéticos obtenidos son similares, si bien los colores al secarse ofrecen una tonalidad más clara que los del óleo, de aspecto perlado y opalino.

Como aglutinantes se emplean los mismos que en la acuarela, y los fondos entonados y con color resultan más adecuados que los fondos blancos de aquella.

El "gouache" se practicó con profusión en Francia durante la segunda mitad del siglo XVIII, siendo Boucher uno de sus principales cultivadores.

Acuarelistas latinos

Renato Tillería

Gran acuarelista de la ciudad sureña de Coyhaique. En sus acuarelas se reflejan los paisajes de la zona, sus costumbres y coloridos.

En 1970 realiza su primera exposición individual. En 1982 obtiene una medalla en el Certamen Nacional de Artes Plásticas, organizado por la Universidad de Chile.

Ha realizado innumerables exposiciones a nivel nacional e internacional (Francia año 1997 y Argentina).

Dirige un taller de pintura en Coyhaique y sus obras se encuentran en colecciones privadas en Argentina, Australia, Japón, Italia, Francia y Estados Unidos, entre otros.>

Germán Hernández Navarro

Nació en México, Distrito Federal, el 6 de enero de 1946; radica actualmente en la misma ciudad.

Ganarse un nombre dentro del mundo de la acuarela y el paisaje, largos y difíciles años de continuo aprendizaje le han costado al maestro Hernández.

Ha recorrido prácticamente todo el territorio del país recogiendo aquellos trozos de México que, de acuerdo a su percepción, le han parecido importantes.

José Manuel Pérez Asturias

Internacionalmente conocido por su apelativo artístico de Pito Pérez, logró colocar el nombre de Honduras entre los más destacados en el dominio de la acuarela cuando fue invitado a participar en la exclusiva séptima muestra "Ibero-American Watercolors", organizada por la Asociación de Agregados Culturales Iberoamericanos con sede en Washington, Estados Unidos.

Collage

Término francés de uso internacional que designa una técnica que se origina en el papier collé, que consiste en que, a partir de fragmentos de papel de diferentes colores, se realizan cuadros abstractos.

El collage consiste en componer el objeto artístico usando los colores de una pintura y pegando sobre una superficie fragmentos de materiales diversos (generalmente recortes de fotografías o periódicos, pero también trozos de tejidos, vidrio, etcétera) para sugerir valores evocativos o simplemente calidades materiales inéditas.

El collage es, entonces, una técnica de creación visual -papel pegado sobre el lienzo- que encuentra sus raíces en China, Japón y Egipto y que la podemos encontrar también en las expresiones del barroco o en el manierismo, y que alcanza en el siglo XX, en el despertar de las vanguardias artísticas, su mejor afirmación.

Artistas como Juan Gris, Georges Braque, Kurt Switters, Diego Rivera o Picasso, por mencionar sólo algunos, consiguen una hipótesis definitiva de esta forma de expresión hasta elevarla a las alturas del gran recurso artístico.

A partir de eso, es indudable que el collage forma parte de las expresiones más significativas del siglo XX y su impronta puede apreciarse en las expresiones artísticas posteriores, de modo que su prestigio y relevancia para las artes plásticas son indudables.

Georges Braque realizó, en 1912, el primer collage, “Le compotier””. El mismo año, Picasso hizo su obra “Naturaleza muerta con silla de paja”.

La introducción del collage fue una audaz y estimulante incursión en el camino de la renovación del arte de la pintura.

Perspectiva: conceptos básicos

La perspectiva es un tema que preocupa mucho a los dibujantes.

Hay términos importantes que deben considerarrse en primer término:

1) La línea de Horizonte
2) La línea del nivel del ojo
3) El Punto de fuga

La Línea del nivel del ojo es la línea de visión, marca la posición del dibujante, desde donde éste observa lo que va a dibujar.

Ahora veamos el Punto de fuga: es el punto donde se juntan todas las líneas que se alejan hacia la Línea de Horizonte, que acaban convergiendo en un punto: El Punto de fuga.

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En la figura se puede ver cómo se forman las figuras en perspectiva a partir de un Punto de fuga y hacia la Línea de Horizonte.

Hay, sin embargo, otras líneas que no se juntan en el punto de fuga. Estas líneas son Paralelas. Por ejemplo:

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Estas líneas no se dirigen hacia el horizonte, a la lejanía, sólo suben y bajan. Están en el primer plano del dibujo.

Ejercicio:

Haz tu Línea de Horizonte y Punto de fuga y luego dibuja un Rectángulo en el aire. Con la perspectiva te va a quedar una caja rectangular.

PERSPECTIVA DE DOS PUNTOS:

La perspectiva puede tener dos puntos de fuga ¿Qué significa esto? Significa que en la Línea de Horizonte existen dos puntos de fuga para crear una ilusión de mayor profundidad de acuerdo a la posición desde donde uno se ubique al dibujar.

Veamos este ejemplo:

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El objeto visto desde abajo (una caja que cuelga en el aire, ejemplo)

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Figuras humanas en perspectiva

Dibujar una figura humana en perspectiva es bastante simple: La figura más cercana será la más grande y a medida que las figuras se alejan se harán más pequeñas. Veamos cómo debe hacerse:

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Ejercicio:

Haz un personaje y ponlo en perspectiva con otro. Así podrás "colocar" a tus personajes en un determinado lugar sin que parezca que están volando o que se están cayendo. Acá vemos un ejemplo:

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Tipos de Perspectiva

Del latín perspectiva, y del verbo perspicere, "ver a través de".

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La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.

Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.

Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.

La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.

La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de visión del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se instaura definitivamente en la plástica.

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"La última cena"
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Elementos principales de la perspectiva

¿Haz viajado por una carretera recta alguna vez? Te darás cuenta que al ver al frente, hacia el horizonte, los objetos se observan más pequeños, lejanos...

Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas:

Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano, nunca se encontrarán.

Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.

Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en un punto.

Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones.

Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven.

Como sabrás, las líneas son un conjunto de puntos unidos, si vemos una línea con una lupa se vería así:

.............................................................

El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las líneas pueden partir de un punto a otro.

Para lograr la perspectiva se mezclan los diferentes tipos de líneas y el punto, aunado al cambio en el tamaño de los objetos.

Algunos tipos de perspectiva son: perspectiva lineal, perspectiva aérea, perspectiva invertida, perspectiva de importancia y perspectiva axonométrica.

La perspectiva lineal consiste en que las líneas paralelas que van de más cerca a más lejos, convergen en un punto de fuga, lo que crea una ilusión de profundidad.

En rigor, el punto de fuga está situado en profundidad dentro del cuadro.

Utilizando esta perspectiva, entonces, el pintor sitúa las figuras, de más cerca a más lejos, en diferentes planos, que son paralelos al fondo, e interpone el vacío entre unas y otras.

Ejemplos de esto son "La Última Cena", de Leonardo da Vinci, y "La Anunciación", de Fra Angélico.

La perspectiva lineal en "La Anunciación"

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En la “Anunciación”, de Fra Angélico, pintada a fresco en el pasillo del convento de San Marco en Florencia, la perspectiva lineal es construida con una precisión geométrica hasta en los mínimos detalles arquitectónicos. El espacio así creado da a los personajes una "presencia" pacífica y armoniosa pero éstos quedan en un lugar cerrado. El punto de fuga, colocado en la pequeña ventana, llama irresistiblemente la atención del espectador que debe "entrar" en el cuadro para impregnarse de la belleza del acontecimiento.

Dentro de lo que se llamaría perspectiva artística tenemos:

Perspectiva aérea

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"Las meninas"
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La perspectiva aérea, perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmósfera que envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma y color, lo que da una impresión muy real de la distancia.

Ejemplo de esto es el cuadro "Las meninas", de Velázquez.

En un cuadro, dibujo o pintura con perspectiva aérea, las condiciones climáticas y atmosféricas (humo, neblina) proporcionan una sensación de profundidad, ya que los colores y la tonalidad de la imagen se amortiguan según aumenta la distancia. Los diferentes cambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea sobresalga y destaque.

Perspectiva paralela

Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo, un cubo.

Perspectiva oblicua

Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”).

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Perspectiva invertida

Perspectiva invertida

En la perspectiva invertida el punto de fuga está situado adelante, al exterior del cuadro.

La utilización frecuente, aunque no en forma exclusiva, de la perspectiva invertida en el arte del ícono desorienta al hombre de cultura europea moderna cuyos ojos están acostumbrados a la perspectiva lineal reintroducida en el arte entre los siglos XIII y XIV.

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Perspectiva de importancia

La perspectiva de importancia es un método de representación que permite resaltar a un personaje con relación a otros sobre el mismo icono. Es decir, el tamaño de los personajes determina su importancia jerárquica entre los presentes en un mismo ícono.

Buen ejemplo lo tenemos (fugura a la derecha) en el Icono de San Juan Clímaco (en el centro) rodeado de san Jorge (a la izquierda) y de san Blas. Rusia, siglo XIII.

Perspectiva en el dibujo

Existen tres tipos de perspectivas importantes que podemos manejar para expresar volumétricamente los espacios:

  • Perspectiva axonométrica
  • Perspectiva caballera
  • Perspectiva cónica

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Perspectiva axonométrica

La perspectiva axonométrica se utiliza mucho para realizar los diseños previos. Es una representación neutral, fuera del espacio, las líneas del objeto quedan paralelas y acercan el abjeto hacia el espectador.

Para obtenerlal, primero se realiza a mano alzada lo que se quiere, para ver si se puede realmente desarrollar la pieza, el espacio, el lugar u objeto que se va a proyectar. Los interioristas utilizan bastante esta modalidad para dar dibujos con medidas exactas a los industriales como carpinteros, herreros y todos los oficios de una obra.

Los ejes deben realizarse con escuadra y cartabón. Marcaremos una línea vertical, llamada eje Z y posteriormente dos líneas con un ángulo de 120º. Para realizar esta medida utilizaremos el cartabón por el vértice más estrecho, que es el de 30º. Así nos quedara el ángulo antes mencionado.

Una vez realizados los ejes de coordenadas solo nos quedará ir dibujando la pieza con las medidas dadas. Todo el dibujo se debe realizar paralelo a los ejes principales.

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La perspectiva caballera contiene los objetos pero éstos tienen deformidades más acusadas.

Teniendo los ejes principales X, Y, Z (figura a la derecha) utilizaremos una reducción para una buena representación espacial. La escala que debemos reducir solo será en el eje Y, aplicando la mitad de la dimensión del objeto que hay que dibujar.

Es utilizada cuando una pieza, por su complejidad, no es fácil de interpretar a través de sus vistas como, por ejemplo, la de los manuales de instrucciones de todo tipo de maquinaria.

La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente, pero la más utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Ésta es la que más se aproxima a la visión real, equivale a la imagen que observamos al mirar un objeto con un solo ojo.

La vemos muchas veces en carteles de complejos y edificaciones inmobiliarias que están en construcción. Es el resultado de cómo va a quedar la nueva obra, zona edificada, ajardinada y piscina. De esta manera los compradores pueden tener una idea de lo que van a adquirir.

Fuente Internet:

http://www.estiloyhogar.com/soluciones/ideas/index.cfm?pagina=soluciones_ideas_036_036

Muralismo

"El golpe en Cananea", David Alfaro Siqueiros

El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales.

Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.

"El agitador", Diego Rivera

El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional.

Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.

En la práctica, el indigenismo tomó varios cauces. Por un lado está la concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de la llegada de los españoles. Por otro, la de José Clemente Orozco, que integra las culturas indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía, amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre explotado, engañado y envilecido por el hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se interesó por acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos.

"Maternidad", José Clemente Orozco

El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior.

El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros, que empleó como pigmento pintura de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire; Rivera, Orozco y Juan O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas, mientras que Pablo O’Higgins utilizó losetas quemadas a temperaturas muy altas. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, capaces de sostener varias capas de cemento, cal y arena o polvo de mármol, de unos tres centímetros de espesor.

Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus edificios públicos.


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